GÓTICO EN LOS PAÍSES BAJOS
Como en la mayoría de los países europeos, las primeras pinturas en los Países Bajos se pueden ver en las paredes de edificios religiosos. Estos eran en gran parte en forma de frescos y textos religiosos como manuscritos iluminados.
No fue sino hasta el siglo 15, cuando la región ganó la riqueza de sus operaciones marítimas, que la pintura en los Países Bajos entró en su propia, produciendo algunos de los más reconocidos e influyentes pintores de la época. La forma más temprana de esta pintura está en el trabajo de la Early Netherlandish pintores, trabajando a través del siglo 15. Este trabajo demostró diferencias decisivas de Renacimiento obras producidas en Italia en el momento. La influencia italiana y el Renacimiento afectado gradualmente estas obras de arte a través de los pintores maniobristas de Amberes, y florecido en el Barroco con la obra de Rubens. Esta edad de oro de la pintura vio más distinciones en Obras de arte flamencas con la introducción de nuevos temas de la pintura con paisajes, naturaleza muerta y la pintura de género.
La edad de oro de la pintura en los Países Bajos se vio favorecido por la riqueza de la región en este momento así como la presencia del rey Felipe y la corte borgoña, lo que permitió a los artistas de la corte florecer. La influencia del arte de los Países Bajos en la escena europea creció significativamente en este punto, con muchos de sus maestros ganan el respeto y siguientes de numerosos artistas italianos.
El crecimiento de la condición de "artista" en los Países Bajos se demuestra por el aumento de los artistas que firmen su nombre y pintura autorretratos.
Referentes del arte Gótico.
Jan Van Eyck
Fue un pintor Flamenco que trabajo en Brujas. Esta considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV y el mas celebre de los primeros pintores de flamencos.
Trabajo en Tournai y los hermanos Van Eyck en flandes, fueron las figuras de transición desde el gótico internacional hasta las escuelas flamencas. El estilo flamenco que se dio en los países bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la ultima fase de la pintura gótica.
Giotto
Mejor conocido solo por su nombre de pila Colle di Vegpisnano. Fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales.
Simone Martini.
Pintor italiano, creador mas destacado de la escuela sienesa después de Duccio, y el mejor interprete del estilo gótico en la pintura italiana.
Robert Campin.
Pintor perteneciente al estilo flamenco de la pintura gotica. se sabe poco de su vida, aunque es generalmente considerado el primer gran maestro de la pintura flamenca.De hecho se le considera, con los hermanos Van Eyck, fundador de la escuela flamenca del perrenacimiento. Fue uno de los primeros artistas que experiemntaron con la reintroduccion de colores aglutinados con acietes, pintura al oleo.
Fra Angelito
Mas conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan Fiésole O.P, pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por la temática religiosa, la serenidad de sus obras y por que era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico".
El triunfo de la muerte
Análisis
Brueghel dotó a toda la obra de un tono pardo rojizo, que ayuda a dar un aspecto infernal a la escena, apropiado para el asunto representado. El pintor mantuvo en ella los principios estéticos propios de los países bajos caracterizados por un sistema narrativo de composición que pormenoriza la anécdota y el detalle.
La amplitud del cuadro da cuenta de las múltiples escenas, pintadas con mucho detalle, tratamiento del color, claroscuros.
Todo es ocre, no hay plantas verdes ni agua limpia ni ningún signo de naturaleza viva. Las hogueras, los troncos secos, la destrucción y la oscuridad generalizada no permiten ningún optimismo. Incluso en el mar abundan los naufragios, los faros están en llamas y nada sobrevive.
Los colores tostados y pagados siguen la simbología del cuadro la idea de penumbra y muerte, obra más oscura y tétrica. A primer golpe de vista lo que destaca son esos colores rojizos y ocres dándole un tono infernal a toda la obra. Se ha dicho que la intención de la pintura es tremendamente psicológica y moralizante. Los colores oscuros, la ausencia de un espacio en donde descansar la vista del contexto de horror, las siluetas huyendo o pereciendo. Son situaciones que determinan una acción debido a que los hechos aún se están desarrollando en el tiempo. A lo lejos, en el ángulo superior izquierdo del cuadro, la tierra ya ha sido desbastada, el cielo ha oscurecido, el humo avanza sobre lo poco que queda de un día claro. La luz solar está sofocada por las llamas del infierno. Esta ausencia de matices de colores son los que dan la pauta de que lo que ya ha sucedido en las colinas alejadas sucederá inminentemente en lo que queda de la parte inferior izquierda del cuadro. La inclusión de esa situación en el marco del cuadro produce un efecto de continuación y de anticipación. Todo ese orden es tan simétrico que la división de las acciones se da en orden: de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha. A su vez, el espacio en el que se desarrollan los hechos refuerza la idea primera de “vista panorámica de la muerte”: la costa está desprotegida, la presencia de siluetas en lo que podrían ser barcos de batalla están hundiéndose en el mar, los caminos se encuentran repletos de esqueletos que van avanzando, del lado derecho la única escapatoria es un túnel que no sabremos a donde conduce, del lado izquierdo los esqueletos parecerían controlarlo todo desde un barco, uno de ellos avanza a caballo y otro carga un cuerpo sin vida. El cuadro no deja un espacio libre hacia donde desviarse, al punto tal que el horizonte se achica; en la pintura, el tamaño del cielo comparado con las extensiones de tierra difiere lo suficiente como para poder reafirmar la idea de que no hay escapatoria, ni para los sujetos que están siendo victimas de los sucesos ni para el espectador que está frente a ellos. La presencia de colores con valores altos muestra su estado efímero frente a la realidad avasallante que en minutos será arrasada. Todos estos indicios dan la pauta de que lo sucesos se han desarrollado de manera rápida y sin anticipación, un efecto sorpresa que no puede generar otro sentimiento que no sea el de pánico y desesperación. El cuadro puede dividirse horizontalmente separando dos ámbitos que se complementan y se continúan. La parte superior de este corte horizontal pertenecería a la reproducción de un lugar desbastado y desolado, ausente de sujetos con vida en donde no existe ni los restos de lo que podría haber sido un pueblo habitado por campesinos o familias. Solo a lo lejos se ve lo que podría haber sido una casa pero que ahora no entra en un ambiente reconocible, quedan solo cuerpos inanimados: la silueta de un hombre colgado, cuerpos envueltos en mortajas, no existe ningún resto de algo natural que produzca al menos un sentimiento de tranquilidad.
La parte inferior de ese corte horizontal le da al espectador un ámbito con vida aunque amenazada, una amenaza que si miramos la parte superior, a modo de comparación, se vuelve más tangible. Se afianza en esta parte del cuadro una concepción pesimista de la vida.
A su vez, en la parte inferior de este corte horizontal podemos ver que la pintura se corta nuevamente de manera vertical separando las imágenes por acumulación de hechos y sujetos. Del lado izquierdo los espacios están más libres de personas y situaciones, el caos disminuye pero no por esta disminución la acción deja de ser trágica: sujetos que caen indefensos al agua, siluetas cadavéricas cubiertas por un traje blanco subidos a un barco que parecería aguardar el desenlace de los hechos. Del lado derecho observamos que la saturación de la imagen es significativa, los colores varían producto de la acumulación de imágenes, de sujetos que parecen haber estado en un día festivo. Aquí se mezclan hombres muertos y vivos que huyen asustados. Por otro lado, si unimos en un corte diagonal la parte superior derecha con la parte inferior izquierda los hechos se presentan por contraste: Una joven lee unos papeles mientras que un muchacho toca un laúd y detrás de ellos un cadáver toca el violín.
El jardín de las delicias.
Análisis
El cuadro cerrado representa el tercer día de la creación del mundo (o según algunos, la tierra después del diluvio universal) en el margen izquierdo superior, podemos apreciar una imagen de Dios y, también se puede apreciar la frase Ipse dixit et facta sunt. Ipse mandavit et creata sunt, que significa Él lo dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue creado lo cual según yo es razón de peso para desechar la teoría de que el tríptico hace referencia al diluvio universal.
El panel izquierdo representa el jardín del edén, en el momento en que Dios presenta a Eva a Adán, el cual era para el bosco el momento en el que se origino la lujuria en el mundo, junto a Adán y Eva aparece El árbol de la ciencia, una palmera y el árbol de la vida, un poco más atrás esta la fuente de la vida podemos ver como el mal esta oculto aun el paraíso, pues podemos ver que este es invadido por diversos bichos y alimañas que representan el pecado, en la tradición medieval , los elementos eran considerados de la siguiente forma, el agua y la tierra eran elementos femeninos, pues podían alojar vida, el viento y el fuego eran considerados elementos masculinos, así los bichos y alimañas en la tierra y el agua representan el pecado femenino, y los bichos voladores , el pecado masculino, también vemos una lechuza símbolo del mal en la fuente de la vida y una extraña estructura de la que salen varias alimañas. Además se supone que el demonio esta escondido en los estanques y las rocas.
El panel central el jardín de las delicias representa el falso paraíso en la tierra, en el que la humanidad se ha entregado al pecado en especial a la lujuria, vemos hombres y mujeres desnudos en diversos actos sexuales.
Entre los principales símbolos, (que se ha hallado su significado porque la obra es en realidad muy compleja) podemos apreciar diversas aves símbolo de la lascivia que con sus picos acercan a los hombres a diversos frutos, también vemos muchos frutos de todo tipo, la fruta representa los placeres carnales además de lo perecedero de estos ya que los frutos después de unos días pierden su frescura y se pudren, también aparecen burbujas, ostras o conchas que atrapan al ser humano de un modo opresivo y deprimente .
Una vez más los estanques, inmundos son símbolos y origen y foco del mal, atrás aparece la fuente de la juventud, origen de los 4 ríos del paraíso terrenal, adentro vemos una pareja fajando, también algunos acróbatas, que hacen referencia a la carnalidad, la fuente es débil y presente cuarteadoras que indican que esta a punto de resquebrajarse.
En el centro vemos la cabalgata del deseo alrededor del estanque del adulterio, hombres cabalgan montando en diversas bestias algunas reales como panteras, oso y toros, otras imaginarias como un grifo y un unicornio pero todas haciendo referencia a la lujuria.
Las mujeres llevan sobre sus cabezas pavos reales o frutas caducadas símbolos de la vanidad, un hombre montando en un unicornio con astas, otro hombre no ha resistido y se ha lanzado al estanque para ser recibido por una muchacha.
Más abajo vemos diversas escenas entre ellas un hombre cargando un mejillón que encierra a 2 amantes, clara representación del adulterio.
En la esquina inferior izquierda vemos a un grupo de personas mirando hacia el panel anterior señalando a Eva, en la esquina inferior derecha aparecen Adán y Eva en una cueva donde el dedo acusador señala a Eva acusándolo de los males surgidos en el mundo.
El panel izquierdo representa el infierno, el lugar donde los pecados son castigados, en la parte superior vemos el infierno como una ciudad en llamas, más abajo un la figura de un cuchillo y unas orejas que aplasta a varias personas, esto es un castigo a la lujuria, en el centro se ve lo que muchos consideran un hombre árbol y una variedad de criaturas oníricas, más abajo vemos un monstruo devorando personas a una especie de letrina, donde un individuo arroja monedas y otro vomita excremento, esto es un castigo a la avaricia, bajo el manto del monstruo una mujer es acosada por una extraña criatura, el rostro de esta mujer se refleja en el ano de otro extraño ser, cuyo ano es un espejo esférico, también en la parte inferior un conjunto de escenas que dan a esta obra el nombre del infierno musical, los instrumentos musicales, antes incitadores de la lujuria, el pecado y la sensualidad se vuelven agentes de castigo y tortura, un hombre crucificado en un arpa, otro en con una flauta entre las nalgas y otro cargando una flauta gigantesca, cual cruz, también se distingue una persona encerrada en un tambor, el cual toca un monstruo, en la esquina inferior derecha se castiga a los jugadores y en la inferior derecha sale una cerda vestida de monja obligando a un humano a firmar, tal vez un contrato con el diablo, o tal vez represente los fraudes, las falsificaciones y los engaños.
En cuanto a la teoría de que el tríptico hace referencia al diluvio universal, vendría a ser más o menos lo mismo, pero el exterior del tríptico representaría el mundo después del diluvio, el panel central interior, el jardín de las delicias seria el mundo antes del diluvio, donde hay frutas gigantes pues se supone un castigo divino que vino con el diluvio o según algunos en realidad en lugar del diluvio, seria que la tierra perdió fertilidad, (cosa que tampoco creo pues cuando Adán fue arrojado del paraíso se le dijo que conseguiría el pan con trabajo).
El panel izquierdo representa el jardín del edén, en el momento en que Dios presenta a Eva a Adán, el cual era para el bosco el momento en el que se origino la lujuria en el mundo, junto a Adán y Eva aparece El árbol de la ciencia, una palmera y el árbol de la vida, un poco más atrás esta la fuente de la vida podemos ver como el mal esta oculto aun el paraíso, pues podemos ver que este es invadido por diversos bichos y alimañas que representan el pecado, en la tradición medieval , los elementos eran considerados de la siguiente forma, el agua y la tierra eran elementos femeninos, pues podían alojar vida, el viento y el fuego eran considerados elementos masculinos, así los bichos y alimañas en la tierra y el agua representan el pecado femenino, y los bichos voladores , el pecado masculino, también vemos una lechuza símbolo del mal en la fuente de la vida y una extraña estructura de la que salen varias alimañas. Además se supone que el demonio esta escondido en los estanques y las rocas.
El panel central el jardín de las delicias representa el falso paraíso en la tierra, en el que la humanidad se ha entregado al pecado en especial a la lujuria, vemos hombres y mujeres desnudos en diversos actos sexuales.
Entre los principales símbolos, (que se ha hallado su significado porque la obra es en realidad muy compleja) podemos apreciar diversas aves símbolo de la lascivia que con sus picos acercan a los hombres a diversos frutos, también vemos muchos frutos de todo tipo, la fruta representa los placeres carnales además de lo perecedero de estos ya que los frutos después de unos días pierden su frescura y se pudren, también aparecen burbujas, ostras o conchas que atrapan al ser humano de un modo opresivo y deprimente .
Una vez más los estanques, inmundos son símbolos y origen y foco del mal, atrás aparece la fuente de la juventud, origen de los 4 ríos del paraíso terrenal, adentro vemos una pareja fajando, también algunos acróbatas, que hacen referencia a la carnalidad, la fuente es débil y presente cuarteadoras que indican que esta a punto de resquebrajarse.
En el centro vemos la cabalgata del deseo alrededor del estanque del adulterio, hombres cabalgan montando en diversas bestias algunas reales como panteras, oso y toros, otras imaginarias como un grifo y un unicornio pero todas haciendo referencia a la lujuria.
Las mujeres llevan sobre sus cabezas pavos reales o frutas caducadas símbolos de la vanidad, un hombre montando en un unicornio con astas, otro hombre no ha resistido y se ha lanzado al estanque para ser recibido por una muchacha.
Más abajo vemos diversas escenas entre ellas un hombre cargando un mejillón que encierra a 2 amantes, clara representación del adulterio.
En la esquina inferior izquierda vemos a un grupo de personas mirando hacia el panel anterior señalando a Eva, en la esquina inferior derecha aparecen Adán y Eva en una cueva donde el dedo acusador señala a Eva acusándolo de los males surgidos en el mundo.
El panel izquierdo representa el infierno, el lugar donde los pecados son castigados, en la parte superior vemos el infierno como una ciudad en llamas, más abajo un la figura de un cuchillo y unas orejas que aplasta a varias personas, esto es un castigo a la lujuria, en el centro se ve lo que muchos consideran un hombre árbol y una variedad de criaturas oníricas, más abajo vemos un monstruo devorando personas a una especie de letrina, donde un individuo arroja monedas y otro vomita excremento, esto es un castigo a la avaricia, bajo el manto del monstruo una mujer es acosada por una extraña criatura, el rostro de esta mujer se refleja en el ano de otro extraño ser, cuyo ano es un espejo esférico, también en la parte inferior un conjunto de escenas que dan a esta obra el nombre del infierno musical, los instrumentos musicales, antes incitadores de la lujuria, el pecado y la sensualidad se vuelven agentes de castigo y tortura, un hombre crucificado en un arpa, otro en con una flauta entre las nalgas y otro cargando una flauta gigantesca, cual cruz, también se distingue una persona encerrada en un tambor, el cual toca un monstruo, en la esquina inferior derecha se castiga a los jugadores y en la inferior derecha sale una cerda vestida de monja obligando a un humano a firmar, tal vez un contrato con el diablo, o tal vez represente los fraudes, las falsificaciones y los engaños.
En cuanto a la teoría de que el tríptico hace referencia al diluvio universal, vendría a ser más o menos lo mismo, pero el exterior del tríptico representaría el mundo después del diluvio, el panel central interior, el jardín de las delicias seria el mundo antes del diluvio, donde hay frutas gigantes pues se supone un castigo divino que vino con el diluvio o según algunos en realidad en lugar del diluvio, seria que la tierra perdió fertilidad, (cosa que tampoco creo pues cuando Adán fue arrojado del paraíso se le dijo que conseguiría el pan con trabajo).
Matrimonio de los arnolfini.
Análisis
El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).
Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.
Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.
El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:
Algunos de los objetos que figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.
Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado.
Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.
El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio.
La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.
Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración.
El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Víacrucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor.
Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.
Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.
El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:
Algunos de los objetos que figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.
Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado.
Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.
El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio.
La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.
Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración.
El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Víacrucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor.
